Viernes, 14 de julio
TEATRO "GuggenJeim". Compañía El Gato Negro. Lugar: Plaza Ramón y Cajal. Hora: 22:00h. Precio 15€
Sabado, 15 de julio
DANZA "Recorrido SóLODOS por Manhattan". Compañías: 1.Alicia Reig (Comunidad Valenciana). 2.Marcelo Javier Guaigua (Ecuador) y Lemia Boudhiaf (Francia/Túnez). 3.Arnau Pérez (España) 4.Daniel Rodríguez (España) 5.Javier Guerrero (España). Lugar: Varios emplazamientos en casco antiguo de Murillo de Gállego. Hora: 19:00h. ENTRADA LIBRE
TEATRO "Don Chisciotte". Stivalaccio Teatro (Italia). Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 23:00h. Precio 15€
Domingo, 16 de julio
VERBENA VERMÚ Grupo/Orquesta que amenizará la verbena:" Gancho Drom". Lugar: Hotel Agua de los Mallos. Hora: 12:30h. . ENTRADA LIBRE
26 y 27 de julio
TALLER con la Compañía de Circo D’CLICK. Mañanas de los días 26 y 27 de julio de 10h a 13h. El día de la actuación, viernes 28, se ultimarán de 10h a 13h los movimientos guiados para intervenir en el espectáculo “LATAS” que se llevará a cabo el viernes a las 19:30 h en la plaza. El taller se realizará en el Hotel SPA Aguas de los Mallos y el viernes por la mañana en la plaza. Plazas limitadas.
Viernes, 28 de julio
CIRCO "LATAS". Compañía D’Click . Lugar: Plaza Ramón y Cajal. Hora: 19:30h. ENTRADA LIBRE
ENCUENTRO CON JAVIER FESSER, director de cine, y ESTELA RASAL, directora del Festival de Cine de Huesca, moderado por Alberto Castrillo-Ferrer. Hora: 22:00h Lugar: Teatro El Gato Negro. ENTRADA LIBRE
MARATÓN DE CORTOMETRAJES. Selección de cortometrajes del FESTIVAL DE CINE DE HUESCA, NOTODOFILMFEST y PELÍCULAS PENDELTON. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 23:00h Duración total: 90 min. ENTRADA LIBRE
Sabado, 29 de julio
Domingo, 30 de julio
DANZA "Natya y Poesía".Compañía Giro. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 21:30h. . ENTRADA LIBRE
Sábado, 5 de agosto
TEATRO "Garbeo Cósmico" PAI. Lugar: Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 22:30h. ENTRADA LIBRE
Jueves, 10 de agosto
DANZA “Milki Lee” Artista en residencia. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 20:00h. ENTRADA LIBRE
viernes, 11 de agosto
TEATRO “¡Ay, Carmela!” Calle 47. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 22:00h. Precio 15€
sabado, 12 de agosto
TEATRO “Llámame Mary” PAI. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 20:00h. Precio adulto 15€, precio infantil 5€
MÚSICA “No todo va a ser” Andreas Prittwitz. Lugar: Camping Armalygal. Hora: 22:30h. ENTRADA LIBRE
domingo, 13 de agosto
MÚSICA/TEATRO “He venido a hablar de mi libro”. Esther Ballestero. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 22:00h. Precio 15€
lunes, 14 de agosto
TEATRO "Todas las hembras que habito". Amparo Nogués. Lugar: As Placetas. Hora: 21:00h. ENTRADA LIBRE
TEATRO “Voces que no ves". Cía Pepa Plana. Lugar: Teatro El Gato Negro. Hora: 23:00h. Precio 15€
EXTENSIÓN MANHATTAN EN CANAL DE BERDUN
viernes, 18 de agosto
TEATRO “¡Ay, Carmela!” Calle 47
EXTENSIÓN MANHATTAN EN ARDISA
sabado, 19 de agosto
TEATRO "GuggenJeim". Compañía El Gato Negro
Elenco: Irene Alquezar, Encarni Corrales, JJ Sánchez, Alberto Salvador, Luis Rabanaque, Rafa Blanca.
Dirección: Alberto Castrillo-Ferrer
El Gato Negro
GuggenJeim
«GUGGENJEIM» es una sucesión de vivencias que ocurren en el interior de un museo, algunas tienen que ver con las obras de arte, otras con las estructuras y otras con los artistas y con los visitantes. Los empleados y las reflexiones arquitectónicas también tienen cabida en esta visión humorística del Museo, en definitiva, una puesta en escena un tanto estrambótica de lo que ocurre en cualquier museo del mundo.
Escenas reconocibles por el espectador y que profundizan un poco más en el humor y en la reflexión del hecho artístico, un collage de todos los tópicos y también de todas las reacciones. Es una sátira del snobismo, pero también de la ignorancia y del miedo a no estar a la altura.
Puro teatro. Más de 50 personajes encarnados vertiginosamente por 2 actrices y 4 actores que cantan, bailan y nos provocan y una rocambolesca lucha del arte contra la naturaleza subyace en este texto.
RECORRIDO SóLODOS POR MANHATTAN
SóLODOS es una plataforma cultural a camino entre Ourense (España) y Barva (Costa Rica) especializada en Danza Contemporanea cuya actividad sedesarrolla en torno a la producción de espectáculos pero también a la organización de proyectos de exhibición en formato de festivales. Así y desde 2012 organiza el Certamen Coreográfico SóLODOS EN DANZA COSTA RICA y DANZA NO CLAUSTRO en Ourense, celebrando este 2023 las edicionesnúmero 11 de ambos eventos. Desde 2016 organiza SóLODOS EN DANZA OURENSE, celebrando en 2023 la séptima edición y desde el año pasado elFestival DANZA NO CAMIÑO en distintas localidades de La Rioja, Castilla y León y Galicia del Camino de Santiago.
El espectáculo titulado “Recorrido SóLODOS por Manhattan” es un recorrido por 4 lugares del casco histórico de Murillo de Gállego en el que en cada punto se interpretará una coreografía. Así, el espectador irá conociendo Murillo de Gállego al mismo tiempo que podrá ver las cuatrocoreografías seleccionadas por el equipo de SóLODOS, alguna de ellas premiadas en pasados certámenes como “A Raíz” de Daniel Rodríguez que consiguió el Primer premio en SÓLODOS EN DANZA COSTA RICA 2022 con gira por Costa Rica o “Me fui con tu nombre” primer premio SÓLODOS ENDANZA COSTA RICA 2020 con gira por España.
Coreografía e interpretación: Alicia Reig (Comunidad Valenciana)
Coreografía e interpretación: Marcelo Javier Guaigua (Ecuador) y Lemia Boudhiaf (Francia/Túnez)
Concepto, coreografía e interpretación: Arnau Pérez Acompañamiento artístico: Sara Reyes Diseño Sonoro: Toromecánico y Casasnovas Diseño de iluminación: Álvaro Estrada Vídeo, fotografía y producción: Diego Pérez
Coreografía e interpretación: Daniel Rodríguez
Dirección e interpretación; Javier Guerrero Vestuario; Malahierba Dramaturgia: Andres Galian Co-producción; Mercat de les Flors, e ICEC.
Coreografías
Una maquina de lo insensato
"Una maquinación de lo insensato" nos sumerge en una representación del ser humano como un ser vulnerable ante los misterios de la vida. Nos introduce en el profundo desafío del no entender. Aspectos como la culpa, la búsqueda del perdón, la fe, el peso del arrepentimiento y la conciencia humana ocupan un cuerpo que anhela comprensión. Un cuerpo que se rinde y rendido, se transforma, se empodera y abre su mirada al momento presente.
“Una maquinación de lo insensato” ganó en el Certamen SóLODOS EN DANZA/OURENSE/2022 el Premio de participación en el Festival Manhattan 2023.
Me fui con tu nombre
Frágil y pesado, el cuerpo manifiesta su vulnerabilidad y su abandono en espacios diversos donde transita en busca de nuevos encuentros, nuevas formas de percibir un ambiente en el que el tiempo y su materialidad habitan y atraviesan cambios de estado.
“Me fui con tu nombre” ganó en el Certamen SóLODOS EN DANZA/COSTA RICA/2020 el Premio Gira por España.
SINGLE
En música un single es un formato de vinilo utilizado para distribución comercial, que contenía la canción o canciones de éxito de un LP. Se ha enfatizado esa singularidad y el término se ha establecido como un escaparate personal, destacando la individualidad en el “mainstream”. Nos hemos acostumbrado a asociar el éxito o el logro con la individualidad, estableciéndonos en un desarrollo que surge de la búsqueda personal y propia. Ahora mismo estamos rodeados de gente, pero ¿no estamos solos?.
“Single” ganó el primer premio de coreografía en el International Solotanz Stuttgart.
A RAIz de
“El cuerpo, ese instrumento capaz de hacer vivir hoy las historias del ayer y de permitir que en un único ser, donde habitan pasado y presente, dialoguen tradición y contemporaneidad para construir un discurso de futuro”.
"A raíz de" nace gracias a la tradición gallega, mediante el canto, la música y la danza tradicional y la búsqueda de su diálogo con la danza contemporánea. En esta pieza se consigue una simbiosis entre estos dos lenguajes y sus contextos, acercando el pasado al presente, acercando la tradición al público actual favoreciendo un mayor vínculo de este con la danza contemporánea y la danza de Raíz.
Caos Meditativo (Site Specific)
Hace unos 3.800 millones de años, la vida comenzó gracias a una fina membrana, que protegía una serie de elementos químicos de la violencia y el caos del océano primitivo. Hoy, como esa célula primitiva, un cuerpo en escena se nos muestra frágil, desnudo, procurando crear una ficción que nos sirva de membrana protectora. En la generación violenta de lo que llamamos vida, la ficción es el producto de un acto creativo que resiste a la muerte.
En el teatro, como en la vida, el caos es un espacio natural que genera energía y se dispara en direcciones que no podemos comprender. Imaginamos, conjugamos materiales, inventamos historias y soñamos nuevos futuros en un acto de creación caótico, lleno de energía y atravesado por momentos de paz meditativa, de espacio entre, de perfecta quietud. Fue así, generando preguntas que nos llevaban a más preguntas, como nos dimos cuenta de que crear, como vivir, es un acto caótico de resistencia a la muerte.
Idea original Marco Zoppello, inspirado por el Don Quijote de Miguel de Cervantes Elaboración del escenario Carlo Boso y Marco Zoppello Diálogos Carlo Boso y Marco Zoppello interpretación y dirección Marco Zoppello y Michele Mori Música en vivo interpretada por Enrico Milano Vestuario y telón de fondo Antonia Munareb Máscaras Roberto Maria Macchi Estructura escenográfica Mirco Zoppello
Duración 1h 30m
Stivalaccio Teatro, Teatro Stabile del Veneto
Don Quijote Tragicomedia del arte
Giulio Pasqua+, paduano, nombre ar4s+co Pantalone, y Girolamo Salimbeni, floren+no, nombre ar4s+co Piombino, son dos actores de la célebre compañía de los Celosos (I Comici Gelosi), ac+va y aplaudida en toda Europa entre el siglo 16 y 17. Están vivos de milagro. Suben al escenario para contar como huyeron de la horca gracias a Don Quijote, a Sancho Panza, pero sobre todo gracias al público. A par+r del úl+mo deseo de los condenados a muerte, empiezan las aventuras de una de las parejas cómicas más famosas de la historia de la literatura, filtradas por el estro de los dos sal+mbanquis que renquean en el tenta+vo de procras+nar la ejecución, entre molinos de viento y ejércitos de ovejas.
Y si no recuerdan la historia a la perfección, bueno, poco importa: se improvisa sobre los temas del amor y del hambre, del sueño imposible, de la hipérbole literaria, de la libertad de pensamiento y de sá+ra y “por límite el cielo”, como diría Cervantes.
Un espectáculo sobre el público, para el público y con el público, porque es él el que deberá salvar los dos actores de la muerte... y salvar el teatro.
Nosotros también, actores detrás de los “personajes actores”, sacamos con total libertad de ese contenedor extraordinario que es el Don Quijote, creando una mezcla de toscano y véneto condimentada con palabras de Emilia-Romaña y de Francia, y tomándonos el permiso de invitar a este banquete lingüís+co autores como Leopardi, Pulci, Ruzzante, Dante, De la Barca, Shakespeare y muchos más.
Gancho Drom
VERBENA VERMÚ
Hace diez años GANCHO DROM publicaba su primer álbum autoproducido “DE RODRÍGUEZ” (2012) con sus canciones propias de swing en francés oen español como “Y la violencia degeneró”, “Montagne” o “lbuprofeno”, además de composiciones instrumentales como “Vals de San Bias” o “latristona”. El disco fue muy bien acogido, especialmente en Radio 3, Radio Nacional de España. El grupo siguió sus andanzas y empezó a recorrer los escenarios de Zaragoza y de todo Aragón (programación oficial Fiestas del Pilar, Festival RondoJazz, Festival de Jazz de Teruel...), pero también enel territorio nacional con sucesivas giras por Andalucía (Almeria y Cabo de Gata 2013; Cádiz y alrededores 2015).
En el 2015 GANCHO DROM fue seleccionado por la comisión del laboratorio Audiovisual de Zaragoza para grabar su segundo álbum “TA TANTE ET TOI” (2016), esta vez entre jazz swing, ritmos mediterráneos y baladas. El tema “Persecución swing” fue elegido como banda sonora del spotoficial de las Fiestas del Pilar de Zaragoza 2015. Este disco también fue bien acogido y dio pasó en 2017 a la realización de un videoclip deanimación, diseñado por Gonzalo Herrero, sobre la canción epónima “Ta tante et toi” basada en la paronomasia y el juego de aliteracioneshumorísticas. Videoclip galardonado en varias ocasiones: Noviembre 2017, Mención especial CERTAMEN INTERNACIONAL DE CORTOMETRAJESR
Creación: Cía D’Click Apoyo coreográfico y acompañamiento artístico: Diego Sinniger Intérpretes: Ana Castrillo, Hugo Gauthier, Javier Gracia y colectivo del territorio Apoyo y residencia: Festival Manhattan, Murillo de Gállego
Compañía D’Click
LATAS
Un equilibrio entre lo animal y lo humano, una danza entre lo inútil y lo bello. Tres personajes construyen y destruyen el presente sin más objetivo que desafiar al aburrimiento. Se conocen tanto que no necesitan hablar. Habitan un mundo en el que pasó algo, pero no sabemos el qué.
Buscan dentro de latas un poco de eso, que
al compartirse se multiplica. Una invitación a jugar indiferentes a cualquier pensamiento. Un momento de felicidad compartida, con un pie en este mundo, y otro en una tierra sin tiempo.
La compañía D ́Click ha creado un espectáculo en el que los aromas circenses se mezclan con la energía de la danza hasta convertirlos en un movimiento que elimina las fronteras entre ambas disciplinas, y crea un lenguaje nuevo donde el equilibrio es verso y las palabras corazón: El código genera un ambiente hipnótico, una tensión magnética que transmite grandes dosis de humor, emoción y poesía.
Director: Carlos Saura Ayudante de dirección Francisco J. Querejeta Producción Elías Querejeta Diseño de producción Primitivo Álvaro Guion Carlos Saura Reparto: Geraldine Chaplin como Ana, adulta - María, madre de las niñas, Ana Torrent como Ana, 8 años de edad, Conchi Pérez como Irene, 11 años de edad, Maite Sánchez como Maite, 5 años de edad, Mónica Randall como la tía Paulina, Florinda Chico como Rosa, Josefina Díaz como la abuela de Ana, Héctor Alterio como Anselmo, padre de Ana
carlos saura
cria cuervos
Cría cuervos es una película española de 1976 escrita y dirigida por Carlos Saura. Está protagonizada por Geraldine Chaplin y las niñas Ana Torrent, Conchi Pérez y Maite Sánchez, contando además con las participaciones especiales de Mónica Randall, Héctor Alterio, Florinda Chico y Josefina Díaz.
El título alude al refrán «Cría cuervos y te sacarán los ojos».
La película obtuvo el Premio del Jurado del Festival de Cannes de 1976 ex aequo con La marquesa de O de Éric Rohmer.
Ana (Geraldine Chaplin) se dirige a la cámara y rememora su infancia desde la muerte de su madre, ocurrida veinte años antes. Ana se siente responsable, pues cree que su padre ha muerto como consecuencia de haber ingerido un vaso de leche que contenía una sustancia inocua que la niña consideró veneno. A raíz de ello, la chiquilla considera que posee ciertos poderes especiales, uno de los cuales le permite invocar a su madre muerta. Ana extraña a su madre e imagina verla con cierta frecuencia, pero no alcanza a comprender que sólo se trata de simples alucinaciones.
A la palabra: Oswaldo Felipe
Grabación banda sonora: Ignacio Alfayé
Guión: Isaac Newton, Galileo Galilei y Albert Einstein, entre otros…
Diseño Gráfico: Inma Grau
Astrofotografía: Oswaldo Felipe
Producción: PAI
PAI
Garbeo Cósmico
Garbeo Cósmico es una charla amena, emocionante, ágil y cercana con unas imágenes fascinantes.
Se trata de un paseo cósmico-cómico que habla del cielo nocturno. De lo que se ve a través del telescopio y de lo que no se ve, pero se intuye. Se explican las distancias a los distintos astros y se aclaran conceptos como la evolución estelar, la Gravedad y la Relatividad. El público comprende en qué lugar de la galaxia habitamos, y qué es lo que tenemos alrededor.
A la palabra está Oswaldo Felipe.
Oswaldo utiliza elementos cotidianos: su ropa, canicas, bolas de malabares, gominolas… para acercar el Cosmos a la audiencia. Durante la charla se proyectan de fondo un centenar de astrofotografías tomadas por él mismo de distintos planetas, de la Luna, cúmulos, nebulosas y galaxias. La astrofotografía explicada por el propio autor acerca la Astronomía a los asistentes, le da un toque de emoción y la convierte en algo más cercano y accesible.
Performer // Impro: Milki Lee (Víctor-Ibrāhīm Lázaro) Performer // Espacio Sonoro: Sendic Vázquez Música: Gonzalo Alonso (Derechos Concedidos al Interprete)
Milki Lee
_Desmata_
ARTISTA EN RESIDENCIA
Da lingua portuguesa (Desmatar) Del castellano (Arrancar de cuajo las matas).
Desmata es el grito de un iceberg, un deshielo de lamentos, una gran burbuja de dióxido de carbono con polución humana. Es el último cultivo de inconsciencia creado por el hombre.
Desmata es la muerte del ultimo Arbol del planeta, desmata es el último Gorila, el último Chimpancé, el último Orangután, un último Churuco intentando salvar-abrazar-colgarse de un árbol que ya está muerto por dentro aun conservando parte de su verdor y follaje.
Desmata es un humano, es un chango y un changüito, también una planta y un pajarito.
*Desmata puede ser jugado en cualquier lugar y en cualquier momento, preferiblemente acompañado de una música improvisada y quizás tocada por un musico o por quizás, cualquiera que quiera hacer musica.
Dirección: Melania Galiano Coreografías: Melania Galiano Música: Alfredo Porras Caballero Bailarinas e intérpretes: Melania Galiano, Mayca Chinchilla, Llanos Barba
Compañía Giro
Natya & Poesía
La escena proyecta una mirada hacia India, desde su origen a su evolución, reflejando un universo de contrastes como respuesta a una espectacular metamorfosis y mezcla de culturas. El espectáculo crea un diálogo entre danza y poesía, citando a los grandes clásicos de su literatura sagrada y contemporánea. En él confluyen las danzas de India, con un repertorio musical original compuesto con instrumentos clásicos y tribales. Natya y Poesía expresa en forma de teatro Abhinaya, la comunicación de una idea a través del cuerpo, revelando así la poderosa capacidad de manifestarse por medio del gesto.
Un espectáculo completo donde la música en directo, las danzas, el teatro simbólico y la poesía de honda sabiduría y desbordante imaginación, representan la oda al canto de un pueblo aventurándose por el sendero que conduce al infinito.
Dirección: Alberto Castrillo-Ferrer. Intérpretes: Laura Plano y Luis Rabanaque
Calle 47
¡AY, CARMELA!
¡Ay, Carmela! es, muy probablemente el último de nuestros textos clásicos. Pertenece por derecho al parnaso en el que nos podemos encontrar desde Los Persas de Esquilo hasta Cyrano de Bergerac, desde El Mercader de Venecia a La Dama Boba. Poco se puede añadir a los ríos de tinta enforma de estudios, críticas, artículos y ensayos que se han publicado desde que en el año 1987 se estrenara en el Teatro Principal de Zaragoza con el ya insigne José Luis Gómez y una jovencísima Verónica Forqué; poco se puede añadir en lo absoluto, pero quizá sí en lo relativo: en la pertinencia aquí yahora de un nuevo ¡Ay, Carmela!
El Teatro es el espejo (deforme o no) en el que el ser humano se mira para profundizar en sus miedos, sus contradicciones y también en sus fortalezas.Desde la clásica lucha entre el Vicio y la Virtud que promulgaba el Carnaval y de allí la Commedia dell´Arte, el teatro ha sido el lugar en el que se confrontan cabeza y corazón, voluntad y deber, sociedad e individuo.
¡Ay, Carmela! coloca a dos seres humanos en una situación extrema, y no a dos seres humanos cualquiera, sino a dos ARTISTAS en mitad de una GUERRA, siendo obligados a utilizar su arte para todo lo contrario de lo que se concibió: les obligan a humillar al vencido, ensalzar al tirano y validar la muerte. ¿Puede haber algo más mezquino? Les presentamos en su versión española. ¡¡Que la disfruten, al menos tanto como nosotros!!
Dirección: David Ardid Intérpretes: Anabel López y Susana de la Fuente
PAI
Llámame Mary
Mary y Mary son amigas.
Amigas que juegan al parchís, a la oca, a los barcos y al chocolate inglés. Y en sus ratos libres juegan a ser madres.
Madres divertidas, preocupadas por sus hijas, deseosas de viajar, bailar, leer... ¡como cualquier madre!
Un simpático relato sobre la maternidad y la crianza desde el juego y el humor, donde Mary y Mary recrean momentos y sensaciones que les acompañan en su condición de madres:
la primera visita embarazada a la doctora, la pitonisa que lee el futuro en la tripa, el paso por el hospital, los halagos al nuevo bebé, las nanas, la hora del cuento, la complicidad de las abuelas, las dudas sobre si son buenas madres, las ganas de divertirse, y, por encima de todo, el deseo y afán de criar con talento y ternura a sus hijos.
A través de ellas, nos reconocemos adultas y adultos en nuestra experiencia; y niños y niñas se embelesan en un relato sobre sus propias madres en los que ellas y ellos, sin proponérselo, son los protagonistas.
Dos miradas, de niña y adulta, que
se entremezclan con mucho humor e ingenuidad
y que, de la mano de estas payasas, se fusionan en una mirada fresca y divertida de la maternidad y la crianza.
Un espectáculo de teatro y clown para público familiar preferiblemente niños/as a partir de 6 años. Un montaje para disfrutar y compartir entre madres, padres e hijos e hijas.
Concierto Andreas Prittwitz
No todo va a ser
Andreas conoció a Krahe en el año 1984 y desde entonces ha colaborado con él hasta su último concierto, si bien es cierto que durante un periodo bastante largo se ausentó y traicionó a Javier con otros artistas como Miguel Rios, Joaquín Sabina, Victor y Ana o Ismael Serrano.
Krahe lo aceptó de mala gana, pero le despidió como a un hijo que iba a recorrer el mundo, prometiéndole que cuando quisiera podría volver. Una vez que Andreas inició su proyecto personal “Lookingback” –de cuyo nombre, por cierto, es responsable Krahe– le recordó a Javier su promesa –comprobar en “Esto no es la vida privada de Javier Krahe”– y volvió junto a él y a Javier López de Guereña y Fernando Anguita, sus hijos predilectos –él sólo sería el pródigo–, que sí le habían sido siempre fieles. Así disfrutaron de cientos de conciertos divertidísimos, maravillosos e inolvidables hasta la última actuación de Boiro 2015.
Una vez terminado el luto, nacieron los “Huérfanos de Krahe”, en la cual sus tres mosqueteros ( Javier, Fernando y Andreas, su Bundesklarinette) aprendieron a cantar sobre el escenario los nada fáciles versos de Javier, reviviendo así los viejos tiempos
Entre pandemias y jubilaciones, los “Huérfanos” se han disuelto y Andreas ha decidido seguir adelante en solitario y cumplir así con la obligación de ofrecer a los numerosos seguidores y a las nuevas generaciones la posibilidad de volver a escuchar el incomparable repertorio krahesiano en vivo. Para eso ha pedido ayuda a su amigo Luis Fernandez, pianista de Pedro Guerra o Luis Pastor, entre otros. Ambos cantan y tocan las parábolas musicales de Javier Krahe con un concepto musical y sonoro diferente, dispuestos a abrir un nuevo capítulo en la interpretación de la obra y milagros de Javier Krahe.
Dirección: Alberto Castrillo-Ferrer Intérpretes: Esther Ballestero y Enrique Escartín
Esther Ballestero
He venido a hablar de mi libro
Una adaptación musical basada en la obra de Kurt Weill
Encontrarse a sí mismo, encontrar el camino de la vida, trazarlo o seguirlo, ¿rebelarse ante el futuro poco halagüeño o aceptar que todo está escrito de antemano?
Estos son algunos los grandes interrogantes del ser humano, desde que tiene consciencia de serlo.
He venido a Hablar de mi Libro cuenta la historia de Bernadette, una bibliotecaria miedosa y acomplejada, enamorada de los libros y que, aparentemente, tiene todo lo que necesita para ser feliz. De repente, un Lunes por la mañana, ocurre un acontecimiento extraordinario e inexplicable, que le cambia la vida y le hace plantearse las grandes preguntas existenciales ¿es realmente feliz?,¿se dejó llevar?,¿se conformó?
Con una estructura de thriller, Bernardette nos va introduciendo en sus dilemas y su mundo. Un mundo musical, trufado con canciones de Kurt Weill, que nos llevan a reír, soñar, dudar y llorar.
Bernadette, con su aparente inocencia, nos sacude el corazón y consigue que sus dudas, sean las nuestras y que nos abramos a todo lo que la vida, nos puede ofrecer.
¿Te atreves a soñar con Bernadette?
Dirección piezas sueltas: Carmen Córdova, Arantxa Azagra y Amparo Nogués.
Dirección del clown: Caroline Dream
Intérpretación, textos y músicas originales: Amparo Nogués
Amparo Nogués
Todas las hembras que habito
“Todas las hembras que habito” es un espectáculo personal e íntimo que, desde el humor y la ternura, cuenta historias de mujeres en diferentes épocas de la vida: abuelas, madres, hijas y hermanas.
Un ramillete de historias que surgen de la necesidad de hablar de momentos en la vida de las mujeres. ¡Un canto a la esperanza! Escenas en las que se da visibilidad a distintas situaciones que todas vivimos y habitualmente pasan desapercibidas o no se comparten.
Historias vividas, prestadas y soñadas con momentos tiernos, tristes, amargos, pero también alegres y divertidos. Un espectáculo que combina el clown, la danza, la música con canciones en directo y mucho juego corporal.
Dirección: Joan Arqué
Intérpretes: Pepa Plana (Payasa Augusta) y Clara del Ruste (Payasa Blanca)
Cía Pepa Plana
Voces que no ves
A partir de los llamados números clásicos, ya va siendo hora que alguien le ponga la versión en femenino. ¿Cómo cambian y que significado cogencuando se juegan desde dos payasas en vez de dos payasos?
No es un tema menor. Si desde nuestra compañía siempre hemos reivindicado la figura de la payasa en un mundo mayoritariamente masculino, principalmente en el marco de los payasos teatrales, ara queremos entrar en los números clásicos más circenses, aunque con la intención deenvolverlos en una historia.
Por un lado y como payasa augusta, tenemos a Pepa Plana. Por el otro y como payasa blanca o clown, a Clara del Ruste. Y para dirigir este dúomaravilloso a Joan Arqué, ¿quién si no?
Sin haberlo previsto, no parece ahora un mal momento para arrancar una producción como esta. En este momento, donde el papel de la mujer en las artes escénicas esta bajo la atenta mirada de la opinión pública i donde las instituciones públicas tendrán que tenerlo en cuenta. Parece que debemos seguir recordando que las plateas de los teatros mayoritariamente están ocupados por mujeres, por tanto ya va siendo hora que se tengaen cuenta.